SUJET : l'intérêt pour un dramaturge des tirades et des monologues dans une pièce de théâtre

1. La construction de la pièce

1. Une question de rythme

   Des moments qui se détachent et qu'on retient, et qui provoquent une rupture rythmique par rapport aux échanges dialogués normaux. Ex : la tirade du nez de Cyrano que tout le monde connaît interrompt l'intrigue et c'est une sorte de spectacle dans le spectacle, Cyrano prend la place de l'acteur de théâtre qu'il a interrompu pour improviser cette tirade qui défie son adversaire.

2. L'avancée de l'intrigue

   Les paroles sont parfois équivalentes à des actes et sont déterminantes dans la pièce pour faire avancer l'action ; Ici Phèdre avoue ses sentiments à son beau-fils Hippolyte, c'est un moment crucial de la pièce où ses aveux mettent au jour l'aspect monstrueux de ses sentiments. La pièce n'aurait pas évolué sans ce dévoilement fatal. Elle sait que ses mots la condamnent.

3. La connaissance des personnages

   Le monologue n'a rien de réaliste, mais on a accès aux pensées des personnages alors qu'autrement on ne saurait rien de leurs tourments. Dans Le Cid les stances de Rodrigue nous montrent qu'il est déchiré par un dilemme : qui choisir, entre son père et Chimène ? On voit que finalement, le héros fait le choix de la défense de l'honneur familial. Cette connaissance approfondie des sentiments des personnages s'accompagne d'une intensité émotionnelle particulière, que nous allons approfondir ensuite.

1. Intensité émotionnelle

1. Morceau de bravoure pour l'acteur

   Les grands acteurs voulaient être mis en valeur dans des tirades ou des monologues dans lesquels on ne verrait qu'eux, avec de grands textes lyriques, tragigues ou pathétiques dans lesquels ils peuvent briller. Pour que ces acteurs les plus en vue jouent leurs pièces, les auteurs avaient donc intérêt à écrire de longues tirades qui leur plaisent et les mettent en valeur. Dans L'Avare, et le monologue d'Harpagon met en valeur le jeu d'acteur farcesque de Louis de Funès qui a lui-même financé et co-réalisé le film.

2. La poésie de l'auteur, l'expression des sentiments poussée à son comble

   Le fait qu'un personnage parle longtemps va permettre une expression subtile de ses sentiments, leur intensité, une vraie analyse des rouages du cœur des personnages. Le dispositif particulier de la pièce de Pascal Rambert Clôture de l'amour  permet à Stan et Audrey, les deux protagonistes, de s'exprimer séparément très longuement et d'aller au bout d'eux-mêmes et de leurs émotions. Cela donne beaucoup de force à la pièce qui aurait été plus banale sous la forme d'une scène de ménage ordinaire. Quand Marguerite guide le roi de Ionesco dans Le Roi se meurt vers la mort, on se rend compte que ce trajet imaginaire qu'elle décrit, métaphorique, est très poétique.

3. La force de conviction et le pouvoir cathartique du théâtre

   Les diatribes[1], comme celle de Ruy Blas face aux nobles d'Espagne dont il dénonce les turpitudes, sont aussi des moments intenses qui emportent l'adhésion du spectateur, qui a envie, lui aussi de se révolter contre l'ordre établi, à l'image de V.Hugo face à Napoléon III. Dans Hamlet « to be or not to be » attire le spectateur dans un vertige existentiel : le rapport du personnage seul sur scène face au spectateur est plus intime, en face à face. On dit aussi que les scènes intenses « purgent les passions » des spectateurs : c'est la catharsis[2].